En escena ¿Actor o personaje?

“A veces digo que el actor lo mejor que puede hacer es quedarse en el camerino y no salir a escena. Yo no soporto el teatro en el que sale a escena el actor y no el personaje. A lo mejor es exagerado, pero el actor no tiene que intervenir: él no construye el personaje, el personaje lo construye a él. Es otra manera de sentir, es una revelación: alguien que viene de no se sabe dónde”. PACO DE LA ZARANDA 

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Hace poco me preguntaron ¿qué sucede con la consciencia del actor al momento de actuar?, y luego leyendo la entrevista a Paco de la Zaranda, me pareció buena idea reflexionar sobre el tema. Coincido totalmente en que puede ser insoportable cuando sale un actor a escena y no el personaje. Cada día hay más enfrentamientos en las aulas de clase, pues los jóvenes estudiantes quieren salir a escena, ellos y no como personajes. Es una búsqueda de un placer inmediato, conexión con el público, con lo que tendrán experiencias gratas según como el público los reciba, pues el ego, que estimula aquello de mostrarse, es muy sensible. De allí que se de la preferencia por la comedia. Es como querer algo que entre mas rápido en el torrente sanguíneo, que te de placer. Pero el arte de un actor, es dar vida al personaje no obtener placer por su presencia. Una de las razones por la que habló de un ejecutante actoral, y así se llama este blog, es porque debe entenderse por parte de quienes quieren ser actores, que al igual que un músico, lo importante es la música que se emite en la ejecución, el grado de belleza que alcanzas, la emoción que generas, no la forma en que mueves las manos, no las caras que pones, no su presencia. Sino existe la música no tiene sentido ni el ejecutante ni el instrumento. 

Un actor es el ejecutante y el instrumento. Un actor parado en escena mostrándose, realmente no estamos en presencia de una ejecución, cuando aparece el personaje hablamos de que comenzó la función. 

Como todo regla tiene su excepción hay que reconocer que hay casos exitosos, sobre todo ahora mas en el cine y la televisión, de actores con personalidades carismáticas, los cuales absorben el personaje y lo transforman en si mismos. El espectro del trabajo del actor tiene muchas vertientes y pues este tipo de actores son exitosos, hasta que por alguna razón la gente se cansa, o ellos se cansan de repetirse. Podríamos poner como ejemplo: Julia Roberts, Hught Grant, en Venezuela Amalia Pérez Díaz, en Argentina China Zorrilla. Contrasta con una camaleónica: Meryl Strept, Marlon Brando, Klaus Maria Brandauer, Gerard Depardieu. Tambien muchos actores con la edad comienzan a repetirse, y a ser ellos mismos en escenas, como tambien, el público puede llevarlos a eso. 

El actor debe maximizar su búsqueda de recursos, experimentar, investigar, para exigirse más al momento de realizar un personaje, evitar el encasillamento. Evitar salir desnudo y sin máscara a escena. 

Contradice lo que estamos diciendo a el método, a Stanislavski, a Strasbergs, no lo creo en lo absoluto. Creo que ellos nunca creyeron en un actor en escena sin la máscara, el personaje. Tanto es así que Stanislavski inspiró grandes cambios el teatro desde un Meyerhold, Grotowski y tantos otros genios de la realización escénica. El actor debe usar sus recursos, sus vivencias, sus emociones, su imaginación, debe saber conectarse con todo lo que el personaje requiera, debe darle vida, para que ese personaje sea un ser vivo en escena. Hay un ejecutante, hay notas, emociones, palabras, experiencias flotanto en la escena, es el personaje. 

Enajenación. Esa es una pendejada que inventan los malos actores para decirte que hicieron un gran trabajo porque supuestamente casi se volvieron locos porque eran el personaje. Siempre cuando ves los resultados de los enajenados lucen sobreactuados, descoordinados. Me recuerda una anécdota que leí sobre el mal actor y el mal espectador, no recuerdo si fue planteada por Moliere, Diderot. Un actor que es asesinado por un espectador porque creyó que lo que veía era real, lo que nos habla del peor actor y el peor espectador. Ese estado es una negación del arte, una idealidad. Lo realmente importante es que el espectador viva la obra desde un estado de confrontación. Que se cuestione, que vaya creando sus propias ideas sobre lo que plantea nuestra obra, que a través de los sentidos se forme el pensamiento. Que la obra viva, y permita en cierta forma un espectador que decida por si mismo de que va y cual es su posición. 

Vestirse de personaje 

En este caso tomar el personaje como si fuese algo ya creado, que el actor debe colocarse, es una posición frente a la ejecución actoral. Pensamos que eso lleva más al clise, a la falsedad, a la sobreactuación pero es una posición respetable que tiene muchos adeptos y ejemplos exitosos. La comedia del arte, es uno de los momentos más sobresalientes del teatro, y tiene muchos personajes clisé, y no por ello dejan de ser obras interesante, y un objetivo para los actores hacer alguna de las obras. Cuando Stanislavski se planteó estudiar en serio como era el proceso de creación de personajes, la encarnación y que era aquello que hacia brillante a un actor, a una actriz, en ese momento el teatro era una especie de tradición que pasaba de padres a hijos, donde cada personaje era representado según las convenciones trasmitidas de forma oral, y la imitación. Hemos avanzado mucho desde entonces, ha pasado mas de un siglo. 

No nos queda ninguna duda que el ego del actor debe quedarse en los camerinos.

Stand Comedy, Monólogos, y Unipersonales.

"El arte de decir un monólogo ha cobrado una importancia desmesurada en los principios de la técnica actoral, todo en aras de «hacer carrera artística». Cuando voy como profesora invitada a las universidades, facultades y seminarios de costa a costa de Estados Unidos, incluso a las academias de artes escénicas, los alumnos presentan constantemente monólogos en lugar en lugar de escenas entre dos o mas actores. Si les pregunto a los profesores de estas intituciones por qué ponen tanto énfasis en este género que se estila tan poco en las obras de teatro, y que es casi siempre periférico a la acción central de la obra, insisten en que hasta que los actores no aprendan a decir monólogos en los casting nunca conseguirán trabajo. Y hacen caso omiso de mi respuesta cuando les digo que aunque el actor alcance la suficiente profesionalidadpara obtener un trabajo, es poco probable que lo conserve si antes no ha aprendidoa interactuar con los otros personajes que han en la obra. Poner énfasis en el monólogo, en mi opinión, es una manera de no llegar nunca a adquirir una técnica actoral. " Utah Hagen. Un reto para el actor.

La ejecución actoral va dirigida hacia algo, persona, objeto, cosa, o si mismo. Declan Donnellan habla de ello en su libro La Diana del actor. Stanislaski decía el más importante es el otro. He llegado a oír el más importante es el público. Para muchos hoy en día el publico es el tirano al que debe dirigirse la ejecución y todo se enfoca en que es lo que alimenta a ese tirano, cuales son sus gustos. El alto costo de los espectaculos teatrales, televisivos, cinematograficos ha llevado a simplificaciones. En el teatro el monologo cada vez es la opción para poder hacer obras rentables, o en espacios muy reducidos. Lo cual hace que cada vez sean obras de poca calidad, basadas en la cotidianidad y enfocadas en complacer. Y el actor cada vez más suplanta al personaje. 

Youtube cada vez mas muestra como las personas quieren exhibirse, y que las oigan. Algunos con más exito que otros, generalmente actor-youtuber es una orgía del ego. cada vez montan mas espectaculos basados en una persona que habla de sus miserias, convirtiendose en un acto de chisme, curiosidad. Es algo que esta allí no lo podemos negar, y tampoco lo vamos a combatir, pero es totalmente lejano al arte de ejecutar personajes, el arte de la actuación. Cercano a la oratoria, he visto casos de youtuber extraordinarios pues son grandes oradores.

La improvisación como espectáculo

Para el actor la improvisación es parte del proceso de creación, así como tambien forma parte del proceso de formación. La primera indicación es improvisar, probar, experimentar. Desde hace muchos años muchos creadores teatrales han experimentado con la improvisación como generadora de espectáculos teatrales. Es algo supremamente interesante, asi como también puede usarse para espectaculos intrascendente. Aquí siempre depende del objetivo, y como el actor enfoque su participación.