Fortaleciendo destrezas

Uno de las ventajas del Método, es que proporciona herramientas al actor para descubrir dentro de si lo que necesita para realizar los personajes. Desde el primer momento en los talleres el actor va comprobando que le funciona para alcanzar un determinado objetivo. El actor es instrumento y ejecutante, por ello la práctica hace al maestro. Harold Clurman en su libro “La direccion teatral”, hace referencia al largo proceso que implica, aplicando las ideas de Stanislavski, alcanzar los objetivos que este planteaba para el Teatro de Arte, el mismo Stanislavski reconoció que en sus montajes no se trabajaba el Sistema, muchos actores no lo aplicaban. Un actor definido como un muñeco con voz que se aprende un texto, lo recita y sabe imitar emociones es muchas veces el ideal de un director, quien en la lucha de los egos escénicos tiene una gran ventaja. Pero no todos los actores alcanzan un nivel como Laurence Olivier, así que muchos espectáculos se hacen insoportables con actores vomitando textos caletreados, el público merece un creador, un ejecutante virtuoso, un actor que luche por fortalecer sus destrezas. Y hoy en día Marilyn Monroe, es un icono mientras Olivier y sus manierismos ya están casi en el olvido.

Un director en la mayoría de los casos no es un maestro, en el teatro profesional se le paga por dirigir no por entrenar actores, con grandes excepciones esto se cumple para el teatro, el cine y la televisión. De allí la gran importancia que tienen los talleres de formación para el actor, sobre todo si quiere ser un creador.  Cuando un actor gringo va a un casting se enfrenta a una feroz competencia, sea un diletante o una estrella, no puede fallar si quiere el papel y debe mostrar un alto nivel para destacar, no basta con ser el tipo, debe ser diestro en la creación del personaje. Luego de alcanzado el papel viene un proceso, según sea el cine, tv o teatro donde son escasos los ensayos de descubrimiento. En el cine venezolano, hasta hace poco no era extraño que los directores eligieran para sus personajes, diletantes sin formación actoral, puesto que los actores formados en las escuelas de arte dramático les parecían muy “teatrales”, o sobreactuados, esta práctica continua pero mezclándolos con actores de TV, que atraen público.

Teatro: el tiempo de ensayo a nivel profesional, en muchos casos es mínimo, por tanto el director estará más enfocado en lograr marcar movimientos, trabajar con las luces, escenografía y mobiliario. Hay presión económica.

Cine y televisión: los grandes protagonistas en un set son las luces, los movimientos de cámara. Así que no se espera que el director tenga tiempo para ocuparse del trabajo del actor. Muchos actores tienen coach de actuación, algunas televisoras tienen directores de actores, como en México. Por lo general, el actor, o la actriz se aprenden su texto poco tiempo antes de grabar o filmar. Según la responsabilidad de los actores en la filmación de una película o la grabación de una telenovela, dependerá la forma en que enfrente sus escenas. En el cine, un papel protagónico o de reparto, puede requerir un trabajo de caracterización previó, como es el caso de Jodie Foster el el Silencio de los Corderos, Marlon Brando en el Padrino, Meryl strep como Margaret Thatcher.  Todos estos grandes actores realizaron sus creaciones fuera del set. Pero no es el mismo trabajo que representa para un Tom Cruise hacer “Misión Imposible” o un papel tan común como la mejor amiga de la protagonista. Julia Roberts en “Notting Hill” no realiza el mismos trabajo que en “August: Osage Count”, donde invitada por Meryl Strep ensayaban las escenas de esta película que requería un contexto emocional, mucho subtexto aunque Julia tenía un personaje de reparto, requería más trabajo, investigación, ensayo, algunos directores se involucran otros no.

La televisión es más inmediata, en una telenovela los libretos no son entregados con anticipación, y en el caso de ser parte del elenco principal, se tiene una carga de escenas importantes, por lo cual largas horas de grabación impiden un actor que tenga estudiado sus textos, pues en algunos casos los libretos son entregados al momento de grabar, o el día anterior.

Estos dos puntos nos llevan a la misma conclusión, el trabajo del actor se desarrolla en casa o en talleres de actuación. Pocos entienden eso hasta que les toca enfrentarse al trabajo profesional. Su técnica es su responsabilidad, alcázar la destreza es su responsabilidad, pero en nuestras escuelas latinoamericanas la forma de educación que al final genera un título, tiende a que muchos estudiantes de actuación piensen que es solo un proceso de conocimiento y no entender que la actuación es una labor de destreza que requiere un arduo proceso de ensayo y error, de descubrimiento, de crecimiento y responsabilidad. Es importante en el proceso de entrenamiento retar las posibilidades. NO HAY MEJOR LUGAR HACERLO que un taller, una escuela de actuación. Ya me gradué SOY UN ACTOR, eso dependerá de si logra o no llevar a cabo su papel. Si pierde destrezas un triste papel hará.

Algunos pensum de formación académica para actores tienen a formar estereotipos más que actores, y van asignándole según tipología personajes de la literatura universal. Por ejemplo las gordas jamás serán Julieta, ni los gordos Romeo, pero claro que obtendrán fácilmente la nodriza, o la alcahueta. Y los enseñan que estos personajes tiene unas características, y esos patrones son los que aprenden. No dudo que habrá excelentes academias, Meryl Streep y Sigourny Weaver son una muestra de la excelencia de la Universidad de Yale, como Al Pacino, Marlon Brando son producto de talleres como el Actor Studio, o el Stella Adler Institute. El talento de cada actor es único, y la responsabilidad de desarrollarlo no es de un taller o instituto, es del actor mismo.

Destrezas a trabajar

Una de las principales destreza que debe desarrollar es el desglose de un texto, sobre todo y muy especialmente en el teatro, sino entiende el texto, no sabrá en que debe trabajar. Comprender el significado de un dialogo, el subtexto, la entrelinea que se desarrollan en una escena es de suma importancia para enfocar la búsqueda,comprender la obra, su contecto, el tema y la importancia del personaje dentro del tema, es también algo que destacar.

La capacidad de investigar y experimentar.  La caracterización de personajes requiere investigación, observación, búsqueda, vivencia.

Retar nuestras limitaciones. Si solo podemos representar personajes que sean cercanos, estaremos limitados, es por ello que es importante en nuestro proceso de entrenamiento realizar personajes contrarios a lo que somos, aprender a internalizarlos a través de aquello que nos puede hacer salir esa característica tan difícil de reconocer en nosotros. Siempre llegaremos a encontrar personajes que no podremos realizar, pero enfocar el proceso y hacerlos nos hará descubrir potencialidades que creemos no poseer.

Desarrollo de la expresión sensorial y emocional, el reconocimiento de emociones va muy unido a la experiencia sensorial, es por ello que debemos fortalecer nuestra sensibilidad a todo lo que nos rodea, así como reconocer emociones que desconocemos más allá de las básicas que conocemos.

Susan Batson en su libro “True: personas,needs and Flaws in the art of building actor and creating character” pone el ejemplo de cómo los Chicago Bears se entrenan en una colina cercana, suben esa colina diariamente para fortalecer sus destrezas, para un actor nos dice debe haber una colina similar metaforicamente, donde el fortalezca diariamente sus destrezas. Ella crea unos ejercicios con textos donde hay trabajo emocional, sensorial y de identificación con las circunstancias dadas. Pero cada actor puede desarrollar rutinas de ejercicios que lo ayuden a mantener sus capacidades a punto, realizando estudios de textos, investigando animales y humanizándolos. Hasta el final Stanislavski ya enfermo, lo encontraron debajo de la cama investigando que sentía un pequeño ratón, aunque ya era obvio que jamás volvería a las tablas. Muchos tienden a olvidar todos los conocimientos aprendidos bajo “el método”, son actores “del método” pero nunca aplican ninguna de sus técnicas. El método es un proceso de entrenamiento de las destrezas necesarias para crear personajes vivos desde la verdad. No es una forma o estilo de actuación.

“En actuación, arte y verdad son lo mismo. Cuando actúas desde la verdad, con honestidad, aportas a el personaje la verdad de tu humanidad, creas vida desde la verdad. El arte está en ti, el artista. Tú tienes toda la verdad necesaria de sensaciones para hacer que ese personaje viva y respire” Susan Batson.