Llorar de mentiras y llorar de verdad. Entre esas dos lágrimas está la del actor.Marco Antonio de la Parra
En la actualidad todo se relativiza, en función de que cada persona tiene una opinión. Por ello si aplicamos esta teoría, un mal actor no existe porque es relativo, según el marco como se evalué. Esto no es cierto, parte de la banalización en que se vive en la actualidad, es una actitud superficial frente a la critica. Otra forma de determinarlo se basa en las teorías sobre la formación de un actor, y comienzas los dimes y diretes, si este es orgánico o no, si hace un cliche, si es falso, sobreactuado, Grotwskiano. A esto se le une las consideraciones de si es muy teatral o muy televisivos. Ninguna para mi esta en lo correcto. La formación de un actor no debe estar encasillada en un determinado sistema de preparación, sino el que mejor se adapte a sus recursos. ¿y que con Stanislavsky? Buena pregunta. El sistema Stanislavsky, y su derivado más famoso EL MÉTODO, establecen principios que son aplicables a cualquier tipo de entrenamiento actoral. Destacamos la FE EN LA VERDAD ESCÉNICA. Todo las teorías de Stanislavsy convergen a buscar a un actor que alcance un estado de libertad, que le permita vivir el personaje, durante el lapso que dure la obra,que en el escenario crea en lo que vive, para permitir que se libere el espíritu creador del inconsciente. si estudiamos a Grotowsky también buscaba lo mismo. Los diferencia la forma de lo que buscan. Un actor que llamaríamos clásico también va al mismo punto, y lo hace a través de un proceso de imitación, convenciones, patrones preestablecidos para lo cual debe alcanzar un grado de destreza que le permita imprimir autenticidad. Stanislavsky descubrió que un camino expedito para ello era buscar la FE EN LA VERDAD ESCÉNICA. No discuto que también existe un camino que parte de la falsedad, no esta liada esta forma de partiendo de mi convencimiento en mi capacidad de engaño alcanzar el mismo objetivo. Por ello la diversidad de técnicas. Stanislavsky a nivel estetico como director creía en el naturalismo, Meyerhold, Grotwosky buscaba otra forma de expresión.
No crea que una técnica, método o formación lo va a graduar de ACTOR BUENO, o que por lo menos escapara del remoquete de ACTOR MALO. ¿Entonces, qué es un ACTOR MALO? Un mal carpintero es aquel que no hace bien la silla y esta se rompe, o no es cómoda. Un actor no hace sillas,¿Qué hace un ACTOR? construir personajes. ¿si los construye bien sera un ACTOR BUENO? no, debemos ser más específicos, pues la construcción del personaje debe estar enfocada en el sentido de la obra, y en la interpretación del director. Podemos decir a que un actor fue creíble, lloró de tal manera que conmovió hasta el publico del balcón mas lejano, pero en la obra el personaje se describe como un cínico, que se burlaba del dolor ajeno. No logró el objetivo representar la obra.
Entre lo que mayormente se reconoce como mala actuación, tenemos:
La sobreactuación que es forzar la ejecución con un exceso de energía canalizado a la expresión y no a la creación, es un problema de tono, de enfoque. Se debe buscar el equilibrio, a través de la concentración, centralización, contacto con el otro, con el espacio, canalizar en la actividad, hay muchas posibilidades para corregir este desborde.
La afectación, aquí es por el exceso de gestos, indicaciones para forzar la comprensión del personaje. Aquí si hay un trabajo en la disciplina para evitar la indicación, uso del cuerpo como herramienta para eliminar patrones, Una de sus causa la encontramos en el ensayo del personaje frente a un espejo. el actor tiende a criticarse corregirse y forzar con indicación, cliches, etc...
El empatronamiento sobre todo verbal, pero también hay patrones físicos, el más común el uso de las manos. Se indica el uso de herramientas con el físico para eliminar el problema. Grotowsky creo muchas técnicas que pueden ayudar al actor, aunque el objetivo de él era mas profundo pues buscaba que el actor saliera de sus patrones ya no al momento de actuar, sino los generados por su vida diaria, sus circunstancias sociales, regionales, etc...
Algunos actores tiende a referirse a mala actuación según si son orgánicos o no, con ello podemos decir que los actores del teatro Kabuki son malos actores, o viceversa, a los actores del método se les considera que son muy naturalistas, por tanto no pueden hacer textos clásicos pues no tienen la entonación clásica. O los actores de teatro que dicen que los de televisión son malos per se, y los de la televisión que estos otros son muy teatrales y afectados. Olvídese de eso, aléjese de esas discusiones.
La televisión, el cine y el teatro son medios en los que va a trabajar, descubrirá como adaptar su trabajo al medio. Cada medio tiene sus reglas, y ninguna realmente compete a la formación actoral propiamente. A grande rasgos tenemos que :
La televisión: en un estudio por lo general se tienen tres cámaras, tres ángulos, y en algunos casos se incluye una stadicam, que es una cámara colocada sobre el camarografo y que por su diseño permite un movimiento estable de cámara, o la cámara en mano, estas ubicaciones de cámara genera la necesidad de conocer como moverse en un set, y saber cuales son las áreas de iluminación, así como manejo de la voz dado que se tienen micrófonos de diferentes formas y alcances. Hoy en día en la televisión se usan técnicas de cine, sobre todo en exteriores, por lo que algunos aspectos referentes al cine aplican a la televisión.
EL cine: cada día es más complicado el proceso y las técnicas de filmación, desde filmación con croma key, donde nada es real, y las computadores colocan fondos, personajes, etc.El el cine por lo general se usa una sola cámara, aunque hoy en día las limitaciones la imponen los costos, igualmente el alcance de la toma es mayor, de allí que deba adaptarse y no hacer esfuerzos inútiles cuando la toma es tan abierta, y saber manejarse en tomas mas cerradas donde cada gesto es captado y reproducido en tamaño gigante.
El teatro requiere proyección de voz, aunque hoy en día cada vez mas se utilice los micrófonos porque las acústicas de los espacios disponibles no sean las optimas, y el publico merece escuchar claramente por lo que pago. El teatro requiere ensayo para fijar posiciones,textos, ritmos para un espectáculo de tiempo considerable, donde no hay la posibilidad de detener, corregir y volver a empezar. en el teatro lo que ocurre es lineal, cada escena va una detrás de la otra. En el cine y la televisión se da preferencia a las locaciones o lugar donde ocurre la escena. Eso implica un enfoque diferente en cuanto a memorización, preparación del personaje. En la televisión muchas veces se trabaja con personajes abiertos, cambian según requerimientos de rating, las escenas son menos ensayadas.
Lo que si es importante es aprender a manejar los géneros: drama,comedia, melodrama,acción,terror. El melodrama televisivo requiere mucha intensidad emocional, y muchas veces con textos que son risibles, debe trabajar para lograr cumplir con lo que definimos que es su función: lograr trabajar con sinergia para que su ejecución alcance los objetivos planteados por la obra y ademas logre conmover al espectador. Trabajar el melodrama, tan vilipendiado no es cosa fácil, cuando vea un melodrama televisivo, específicamente una telenovela, pregúntese como haría para lograr esa intensidad, decir esos textos que pueden ser cursis, en otras palabras, transformelo en un reto,claro que parece más fácil y divertido trabajar el melodrama de Almodovar. Muchos prejuicios con la televisión son por el medio y vienen de épocas pasadas, pues mucho del teatro y el cine de hoy parece una copia de la televisión. No se discute acá que el teatro tiene cualidades que lo hacen ser un espacio de expresión artística por excelencia para un actor, en donde hay una comunicación más allá de la imagen, entre el actor y el espectador. El estado de comunión obra- espectador, para alcanzar un estado iluminación entre intelecto, espíritu e inconsciente, solo es posible en esta experiencia cuerpo a cuerpo. Algunos lo llaman magia, los griegos buscaban ese estado donde el espectador abre su mente y despierta al conocimiento de aquello que pasa a iluminarse en su inconsciente, alcanzar la catarsis. Por ello un mal actor solo sera aquel que no logre transmitir el sentido de la obra. Actuar no es sinónimo de engañar,su objetivo no es que alguien crea que su personaje es real. Su objetivo es llevarle al espectador el sentido de la obra que alcance con su trabajo la comprensión del sentido de la obra. Esto prima sobre cualquier otra consideración.
En la actualidad todo se relativiza, en función de que cada persona tiene una opinión. Por ello si aplicamos esta teoría, un mal actor no existe porque es relativo, según el marco como se evalué. Esto no es cierto, parte de la banalización en que se vive en la actualidad, es una actitud superficial frente a la critica. Otra forma de determinarlo se basa en las teorías sobre la formación de un actor, y comienzas los dimes y diretes, si este es orgánico o no, si hace un cliche, si es falso, sobreactuado, Grotwskiano. A esto se le une las consideraciones de si es muy teatral o muy televisivos. Ninguna para mi esta en lo correcto. La formación de un actor no debe estar encasillada en un determinado sistema de preparación, sino el que mejor se adapte a sus recursos. ¿y que con Stanislavsky? Buena pregunta. El sistema Stanislavsky, y su derivado más famoso EL MÉTODO, establecen principios que son aplicables a cualquier tipo de entrenamiento actoral. Destacamos la FE EN LA VERDAD ESCÉNICA. Todo las teorías de Stanislavsy convergen a buscar a un actor que alcance un estado de libertad, que le permita vivir el personaje, durante el lapso que dure la obra,que en el escenario crea en lo que vive, para permitir que se libere el espíritu creador del inconsciente. si estudiamos a Grotowsky también buscaba lo mismo. Los diferencia la forma de lo que buscan. Un actor que llamaríamos clásico también va al mismo punto, y lo hace a través de un proceso de imitación, convenciones, patrones preestablecidos para lo cual debe alcanzar un grado de destreza que le permita imprimir autenticidad. Stanislavsky descubrió que un camino expedito para ello era buscar la FE EN LA VERDAD ESCÉNICA. No discuto que también existe un camino que parte de la falsedad, no esta liada esta forma de partiendo de mi convencimiento en mi capacidad de engaño alcanzar el mismo objetivo. Por ello la diversidad de técnicas. Stanislavsky a nivel estetico como director creía en el naturalismo, Meyerhold, Grotwosky buscaba otra forma de expresión.
No crea que una técnica, método o formación lo va a graduar de ACTOR BUENO, o que por lo menos escapara del remoquete de ACTOR MALO. ¿Entonces, qué es un ACTOR MALO? Un mal carpintero es aquel que no hace bien la silla y esta se rompe, o no es cómoda. Un actor no hace sillas,¿Qué hace un ACTOR? construir personajes. ¿si los construye bien sera un ACTOR BUENO? no, debemos ser más específicos, pues la construcción del personaje debe estar enfocada en el sentido de la obra, y en la interpretación del director. Podemos decir a que un actor fue creíble, lloró de tal manera que conmovió hasta el publico del balcón mas lejano, pero en la obra el personaje se describe como un cínico, que se burlaba del dolor ajeno. No logró el objetivo representar la obra.
Entre lo que mayormente se reconoce como mala actuación, tenemos:
La sobreactuación que es forzar la ejecución con un exceso de energía canalizado a la expresión y no a la creación, es un problema de tono, de enfoque. Se debe buscar el equilibrio, a través de la concentración, centralización, contacto con el otro, con el espacio, canalizar en la actividad, hay muchas posibilidades para corregir este desborde.
La afectación, aquí es por el exceso de gestos, indicaciones para forzar la comprensión del personaje. Aquí si hay un trabajo en la disciplina para evitar la indicación, uso del cuerpo como herramienta para eliminar patrones, Una de sus causa la encontramos en el ensayo del personaje frente a un espejo. el actor tiende a criticarse corregirse y forzar con indicación, cliches, etc...
El empatronamiento sobre todo verbal, pero también hay patrones físicos, el más común el uso de las manos. Se indica el uso de herramientas con el físico para eliminar el problema. Grotowsky creo muchas técnicas que pueden ayudar al actor, aunque el objetivo de él era mas profundo pues buscaba que el actor saliera de sus patrones ya no al momento de actuar, sino los generados por su vida diaria, sus circunstancias sociales, regionales, etc...
Algunos actores tiende a referirse a mala actuación según si son orgánicos o no, con ello podemos decir que los actores del teatro Kabuki son malos actores, o viceversa, a los actores del método se les considera que son muy naturalistas, por tanto no pueden hacer textos clásicos pues no tienen la entonación clásica. O los actores de teatro que dicen que los de televisión son malos per se, y los de la televisión que estos otros son muy teatrales y afectados. Olvídese de eso, aléjese de esas discusiones.
La televisión, el cine y el teatro son medios en los que va a trabajar, descubrirá como adaptar su trabajo al medio. Cada medio tiene sus reglas, y ninguna realmente compete a la formación actoral propiamente. A grande rasgos tenemos que :
La televisión: en un estudio por lo general se tienen tres cámaras, tres ángulos, y en algunos casos se incluye una stadicam, que es una cámara colocada sobre el camarografo y que por su diseño permite un movimiento estable de cámara, o la cámara en mano, estas ubicaciones de cámara genera la necesidad de conocer como moverse en un set, y saber cuales son las áreas de iluminación, así como manejo de la voz dado que se tienen micrófonos de diferentes formas y alcances. Hoy en día en la televisión se usan técnicas de cine, sobre todo en exteriores, por lo que algunos aspectos referentes al cine aplican a la televisión.
EL cine: cada día es más complicado el proceso y las técnicas de filmación, desde filmación con croma key, donde nada es real, y las computadores colocan fondos, personajes, etc.El el cine por lo general se usa una sola cámara, aunque hoy en día las limitaciones la imponen los costos, igualmente el alcance de la toma es mayor, de allí que deba adaptarse y no hacer esfuerzos inútiles cuando la toma es tan abierta, y saber manejarse en tomas mas cerradas donde cada gesto es captado y reproducido en tamaño gigante.
El teatro requiere proyección de voz, aunque hoy en día cada vez mas se utilice los micrófonos porque las acústicas de los espacios disponibles no sean las optimas, y el publico merece escuchar claramente por lo que pago. El teatro requiere ensayo para fijar posiciones,textos, ritmos para un espectáculo de tiempo considerable, donde no hay la posibilidad de detener, corregir y volver a empezar. en el teatro lo que ocurre es lineal, cada escena va una detrás de la otra. En el cine y la televisión se da preferencia a las locaciones o lugar donde ocurre la escena. Eso implica un enfoque diferente en cuanto a memorización, preparación del personaje. En la televisión muchas veces se trabaja con personajes abiertos, cambian según requerimientos de rating, las escenas son menos ensayadas.
Lo que si es importante es aprender a manejar los géneros: drama,comedia, melodrama,acción,terror. El melodrama televisivo requiere mucha intensidad emocional, y muchas veces con textos que son risibles, debe trabajar para lograr cumplir con lo que definimos que es su función: lograr trabajar con sinergia para que su ejecución alcance los objetivos planteados por la obra y ademas logre conmover al espectador. Trabajar el melodrama, tan vilipendiado no es cosa fácil, cuando vea un melodrama televisivo, específicamente una telenovela, pregúntese como haría para lograr esa intensidad, decir esos textos que pueden ser cursis, en otras palabras, transformelo en un reto,claro que parece más fácil y divertido trabajar el melodrama de Almodovar. Muchos prejuicios con la televisión son por el medio y vienen de épocas pasadas, pues mucho del teatro y el cine de hoy parece una copia de la televisión. No se discute acá que el teatro tiene cualidades que lo hacen ser un espacio de expresión artística por excelencia para un actor, en donde hay una comunicación más allá de la imagen, entre el actor y el espectador. El estado de comunión obra- espectador, para alcanzar un estado iluminación entre intelecto, espíritu e inconsciente, solo es posible en esta experiencia cuerpo a cuerpo. Algunos lo llaman magia, los griegos buscaban ese estado donde el espectador abre su mente y despierta al conocimiento de aquello que pasa a iluminarse en su inconsciente, alcanzar la catarsis. Por ello un mal actor solo sera aquel que no logre transmitir el sentido de la obra. Actuar no es sinónimo de engañar,su objetivo no es que alguien crea que su personaje es real. Su objetivo es llevarle al espectador el sentido de la obra que alcance con su trabajo la comprensión del sentido de la obra. Esto prima sobre cualquier otra consideración.
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