La Fe en la Verdad Escénica.

 Este concepto fue creado por Stanislavsky en su búsqueda de técnicas para formar un actor que trascendiera los patrones establecidos históricamente, transmitidos como tradición oral en dinastías actorales. Stanislavsky no provenía de una familia de intérpretes, por lo que estaba libre de los modelos medievales, la commedia dell’arte, etc. En aquella época los cambios sociales se sucedían con rapidez, exigían una sociedad más crítica: la Revolución Industrial y el Modernismo impulsaron un arte que volviera a cuestionar al hombre, a la sociedad y a su tiempo. Surgía el auge de las clases medias con creciente protagonismo y participación. En la Rusia feudal y atrasada también se incubaba una transformación que desembocó en el comunismo. Nadie podía prever adónde conducirían aquellos cambios.

Autores como Dostoyevski, Chejov o Tolstoi muestran las influencias y motivaciones de la época. Al no tener referentes actorales, Stanislavsky emprendió su propia búsqueda para convertirse en un intérprete capaz de representar la hondura de los nuevos dramas de su tiempo. No intentó definir un patrón único; estudió lo que él llamó “el amado y castrante método de las inflexiones” y acabó estableciendo un SISTEMA, diseñado para rusos según Stella Adler, y plasmado en sus libros y grabaciones. Pero sobre todo, formuló conceptos fundamentales para enfocar la actuación: sin un actor vivo, actuando desde su centro orgánico, no hay verdadera creación, sino una marioneta, una actuación errática. Stanislavsky creía firmemente que el ACTOR debe ser creador, no mero objeto de las ideas del director.

Para poder crear en escena, el intérprete debe estar presente —física, mental y espiritualmente—. ¿Pero cómo? Allí comenzaron sus investigaciones. Uno de los términos que definió fue LA FE EN LA VERDAD ESCÉNICA. Como pocos tuvieron la oportunidad de formarse con el maestro, se generalizó la idea de que su enfoque perseguía el NATURALISMO, quizá por el estilo de sus montajes TEATRALES o porque su método resultó tan influyente en el cine. Sin embargo, él se refería a la técnica, no al montaje. Hoy persiste mucha ignorancia sobre estos conceptos, que llevan más de 100 años influyendo en la metodología actoral. Además, los enfrentamientos entre defensores de su método y directores egocéntricos reacios a ceder poder al actor han contribuido a la confusión.

FE EN LA VERDAD ESCÉNICA

Lo definimos como la capacidad de creer lo que sucede en el escenario y, mediante el pensamiento, existir en ese espacio para crear una realidad. La forma y el estilo no forman parte de este concepto, y Stanislavsky no quiso que lo fueran. No existe un director “stanislavskiano”, ni un estilo “stanislavskiano”, ni un teatro “stanislavskiano”. Existen técnicas basadas en sus conceptos y otras creadas por quienes siguieron sus teorías —Meyerhold, Strasberg, Grotowsky, entre muchos más—, con posturas muy disímiles frente al hecho teatral.

Todos coincidían en que el actor debía tener fe: no fe en ellos como divos, sino fe en que lo que ocurría durante una hora o dos en escena era su verdad. Vivían como creadores ese instante de tiempo, aportando cuerpo, mente y espíritu. Todo lo indescriptible de su esencia puesto al servicio del personaje y de la obra.

Tampoco existen ACTORES DEL MÉTODO ni DIRECTORES DEL MÉTODO en la creencia de que tales etiquetas tengan un real significado; existen ACTORES. El “método” es la traducción que el Actor’s Studio —dirigido por Lee Strasberg— dio al “Sistema”. Strasberg, en consonancia con las teorías de Stanislavsky, desarrolló una línea de trabajo para fomentar, entre otras cosas, la FE EN LA VERDAD ESCÉNICA. Este maestro de la actuación lo que enseñó hasta su muerte fue el SISTEMA de Stanislavsky, porque el “SISTEMA” no son las técnicas, sino los conceptos que sustentan esas técnicas actorales.

Pregúntese: ¿Cómo hago para creer lo que ocurre en la escena? Con esa pregunta estará empezando a forjar sus propias técnicas. Podrá copiar todos los GUIÑOS, MUECAS, GESTOS y ENTONACIONES de un actor admirado y reproducir su “actuación”, pero si eso es todo lo que le interesa, su trabajo poco tendrá que ver con el arte. No estará creando nada diferente de los copistas de museo, que día tras día replican obras famosas para venderlas a los turistas.

Pensar en escena significa vivir en escena: nuestros sentidos se entregan al servicio del personaje para que él exista a través de nuestro trabajo creador. Imaginemos un personaje que entra en escena sin saber dónde está ni por qué; cree haber sido secuestrado, por ejemplo.

ACTOR A decide representar esa confusión: entra corriendo, mira a los lados, abre los ojos, muestra temor y se abraza.

ACTOR B crea una realidad escénica: al entrar, no está en un espacio indefinido, sino en un lugar hediondo a cloaca (olfato); recrea en su mente las porquerías que yacen en el suelo (visual); trata de oír los chillidos de ratas gigantes (auditivo); piensa en cómo escapar y teme que las ratas puedan subirle encima. Además, se pregunta quién lo espera fuera. ACTOR A busca resultados; ACTOR B crea las condiciones para vivir la escena. ACTOR B ha instaurado un estado de FE EN LA VERDAD ESCÉNICA mediante su experiencia. Otro intérprete empleará recursos distintos, porque los elementos para generar esa FE dependen del imaginario, la vivencia y el inconsciente de cada uno.

Se trata no de actuar lo que creemos sentir en determinada situación, sino de forjar las condiciones para vivirla. Lo único que debemos hacer es creer.

LA VERDAD ESCÉNICA no tiene por qué adherirse a ningún estilo —realista, naturalista, abstracto, expresionista, simbolista o absurdo—. Eso lo define la obra, no nuestro trabajo. Cada ACTOR responderá a la escena con sus propios recursos.